Муниципальное образовательное учреждение «Средняя общеобразовательная школа» №4 Современное искусство и его направления Автор проекта: Косянчук Анастасия Дмитриевна, ученица 10Г класса МОУ СОШ №4 Научный руководитель: Антюх Любовь Анфировна, учитель истории и обществознания Консультант: Нелаева Анастасия Александровна, историк искусства Оленегорск 2024 Оглавление Введение ................................................................................................................... 2 I. Что такое современное искусство? .................................................................... 4 1.1. Понятие термина «современное искусство» и его временные рамки ..... 4 1.2. Особенности современного искусства........................................................ 5 1.3. Направления современного искусства ........................................................ 7 1.4. Орфизм и Соня Терк-Делоне как его представитель ............................. 13 II. Процесс создания картины в направлении орфизма .................................... 18 Заключение ............................................................................................................ 19 Приложения ........................................................................................................... 20 1 Введение Каждый человек хотя бы раз в жизни встречался с понятием «современное искусство», но подавляющее большинство людей имеет смутные представления о том, что это понятие подразумевает. Современное искусство является важным периодом и включает в себя самые разнообразные направления живописи, скульптуры, архитектуры и других видов изобразительного искусства. Его вклад в мировую культуру сложно переоценить, поскольку все окружающие нас вещи так или иначе созданы под его влиянием. Однако, несмотря на свою значимость, современное искусство зачастую остаётся непонятым широкой публикой, и создаёт два совершенно полярных впечатления: одна часть людей считает современное искусство поводом для насмешек, в то время как другая трактует его как нечто возвышенное и совершенно непостижимое. Цель: изучить основные принципы современного искусства. Задачи проекта: 1. Изучить литературу и источники, посвящённые современному искусству; 2. Изучить особенности и принципы различных направлений современного искусства; 3. Повысить осведомлённость школьников о философии и ценности современного искусства; 4. Попробовать создать картину в одном из направлений современного искусства Методы исследования: 1. Анализ, синтез, обобщение; Гипотеза: современное искусство является важной частью мировой культуры, однако остаётся непонятым широкой публикой. 2 Из трудов А. Барра и Левановой Е. Ф. мы узнали об основных принципах современного искусства и его отличительных чертах. Книги М. Ю. Германа и Е. Ю. Андреевой рассказали нам о различиях между модернизмом и постмодернизмом, об их особенностях. Статьи С. Филлипса и Рубеновича А. А., а также интернет-ресурсы «Артхив» и «Gallerix» позволили нам углубиться в философию каждого отдельного направления и рассказали об их развитии, ключевых чертах. 3 I. Что такое современное искусство? 1.1. Понятие термина «современное искусство» и его временные рамки Для того чтобы понять, что собой представляет современное искусство, стоит определиться с трактовкой этого термина. В данный момент четкого определения не существует, так как современное искусство имеет безграничное множество направлений и ответвлений, настолько различных между собой, что описать их одним предложением не представляется возможным. Однако, есть несколько версий того, что всё же подразумевают под «современным искусством»: в разговорном контексте так обычно называют искусство нашего времени (ХХI века), иногда таким словосочетанием обозначается практика, направленная на взаимодействие с современностью и отражение наиболее актуальных вопросов настоящего времени. Мы же будем подходить к этому вопросу с искусствоведческой точки зрения: в профессиональной среде «современным» называют искусство 1870– 1970 годов1, которое, в свою очередь, условно делят на искусство первой и второй половины ХХ века. Период до середины ХХ века принято называть модернизмом, период после – постмодернизмом. Временные рамки современного искусства так же далеко не однозначны. Среди искусствоведов по сей день не утихают споры о том, когда начался и закончился этот период. Некоторые источники утверждают, что «современным» можно назвать и искусство нашего времени, однако, более широко распространено мнение, что эпоха современного искусства началась в 1860 году и закончилась в 1970, уступив место актуальному искусству. В данном проекте мы будем придерживаться второй периодизации и рассмотрим работы, созданные до 1970 года, поскольку в данный момент мы не способны объективно оценить искусство нашего времени. 1 https://gallerix.ru/pedia/modern-art/, 25.03.2024 4 Говоря об истории возникновения современного искусства, стоит отметить, что оно является продуктом своего времени. Любое направление является современным для того периода, в который оно появилось, поскольку всегда отражает то, что в данный момент наиболее востребовано в обществе и вызывает у него наибольший интерес. Исходя из этого, каждая эпоха формирует свои собственные идеалы: древние греки восхваляли в своих произведениях гуманизм и физическую красоту, художники эпохи Возрождения интересовались внешним миром, классицисты были нацелены на создание четкой и логической схемы построения картины, художники романтизма – на открытие внутреннего мира человека (См. Приложения 1–4). Все эти принципы были продиктованы событиями тех времен, в которые существовали эти направления. Из этого следует, что возникновение современного искусства – это такое же закономерное историко-культурное явление, вызванное переменами ХХ века. Главным толчком к этому стало появление фотографии и её широкое распространение: реализм (См. Приложение 5), являвшийся синтезом всех предшествующих направлений и кульминацией искусства ХIX века, ставил своей целью изображение внешнего мира максимально реалистичным, однако его востребованность вскоре резко упала, поскольку ни один художник не мог передать предметы так реалистично, как это делала фотография. Запрос общества изменился, внимание публики переключилось с внешнего мира на внутренний – у художников появилась возможность показать своё видение. Это и станет ключевой особенностью современного искусства. 1.2. Особенности современного искусства Как и было упомянуто раннее, отражение внутреннего мира художника стало главной особенностью современного искусства, а уже из этого начали формироваться другие отличительные черты. Одной из них является изменение традиционного восприятия произведений искусства. 5 Все произведения, так или иначе, представляют собой коды, процесс расшифровки которых мы и подразумеваем, говоря о восприятии2. Задачей художника становится именно попытка донести до зрителя определённый посыл, в то время как зритель, в меру своей подкованности в сфере искусства, принимает и обрабатывает его, основываясь на тех визуальных образах и символах, что предоставил ему автор. Так, доминантой традиционного искусства является именно его предмет. Современное искусство меняет эту систему и делает главным процесс восприятия предмета, в то время как изначальный посыл становится вторичен. Витиеватый, или же наоборот, слишком простой, даже примитивный образ выступает предлогом к обсуждению, к расшифровке произведения искусства. Между художником и зрителем выстраивается почти прямой диалог, в котором автор доносит до собеседника своё видение обсуждаемой темы. Нередко, этот диалог становится абсолютно вербальным – произведения современного искусства порождают множество письменных и устных интерпретаций, исходящих, как и от самих художников, так и от посторонних лиц. Расплывчатость визуального образа, делающая возможными различные толкования произведения искусства, также позволяет зрителю не искать в нем конкретного посыла и занять свою точку зрения. Все вышеупомянутые особенности свойственны, как и модернизму, так и постмодернизму, однако стоит обратить внимание на важные отличия двух этих направлений. Первое и самое главное – идейная основа. Постмодернизм, как таковой, зародился в противовес модернизму, отрицая все его ценности. Если идеей и целью последнего было создание чего-то принципиально нового, то постмодернизм провозглашает, что всё что можно было создать – уже давно создано, и далее возможно только бесконечное переосмысление достижений прошлого. Он обращается к уже ушедшим эпохам, в том числе и к Герман М. Ю., «Модернизм. Искусство первой половины XX века», издательство «Азбука», 2003 год, 480 страниц 2 6 модернизму3. Более того, постмодернизм уже не ищет абсолютной истины, возводя то или иное движение на пьедестал, как это делали его предшественники, наоборот – художники-постмодернисты склонны занимать метапозицию4, т. е. относиться к своим произведения как непредвзятый наблюдатель. Мы будем учитывать эти особенности при рассмотрении отдельных направлений. Отхождение достоверности образа на второй план и личное видение автора открывают широкий простор для экспериментов, которые и делают современное искусство таким богатым на различные направления, школы и течения. Их можно перечислять бесконечно: экспрессионизм, импрессионизм, фовизм, дада, минимал-арт, поп-арт, ядерное искусство, интерактивное искусство, моно–ха и так далее. Безусловно, каждое направление по-своему интересно и заслуживает внимания, но в данном проекте мы остановимся на тех, что оставили наиболее существенный и глобальный след. 1.3. Направления современного искусства Сначала нами будут рассмотрены направления модернизма, затем – постмодернизма. Так мы сможем отследить хронологию основных тенденций современного искусства и его развитие на протяжении века. Принято считать, что родоначальником современного искусства (в точности модернизма) является импрессионизм, ведь именно это направление помогло многим художникам освободиться от оков академизма. Первой импрессионистской картиной считается картина Эдуара Мане «Музыка в саду Тюильри» (См. Приложение 6), написанная в 1862 году. Она ознаменовала начало новой эпохи в искусстве. Импрессионизм позволил творцам экспериментировать со своими работами и маленькими шажками отказываться от тех строгих канонов, что Андреева Е. Ю., «Постмодернизм. Искусство второй половины ХХ века», издательство «Азбука», 2007 год, 496 страниц 3 Андреева Е. Ю., «Постмодернизм. Искусство второй половины ХХ века», издательство «Азбука», 2007 год, 496 страниц 4 7 веками прививались в художественных академиях: именно они первыми начали изображать на картинах бытовые сюжеты, отказались от строгих правил композиции. Более того, стремление импрессионистов выразить на холсте свои сиюминутные впечатления от увиденного (отсюда и название, импрессионисты дословно – впечатленцы)5, делало наблюдателя участником их картин, что отличалось от традиционного восприятия искусства, когда зритель всегда оставался зрителем, и никогда не становился частью произведения. Таким образом, на первый взгляд несущественные отхождения импрессионистов от академических правил сделали это направление настоящей революцией в мире искусства. Многие художники–модернисты, такие как В. Кандинский и П. Пикассо, впоследствии будут начинать свой творческий путь с импрессионизма. Импрессионистские работы можно узнать по яркому солнечному свету, размытым формам, а также по цветным теням и отчётливым мазкам. Картины создают впечатление лёгкости и некоторой незавершённости (См. Приложения 6–9). Известные художники–импрессионисты: Э. Мане, К. Моне, К. Писсарро, О. Ренуар. Не менее важным направлением современного искусства является экспрессионизм. Несмотря на схожесть названий и внешнего вида картин, он имеет ряд важных отличий от импрессионизма. Каждое направление модернизма выбирает свой уникальный путь отхождения от академических правил. Импрессионизм ушёл в отражение впечатлений художника, экспрессионизм же сосредотачивается на выражении эмоций творца (экспрессионизм от английского «express» – выражать). Всё, что было важно для экспрессионистов – личные переживания автора и та Рубенович А. А., «История и теория современного искусства от британского авангарда до Бэнкси», конспект лекций 5 8 атмосфера, в которой он находится. А поскольку экспрессионизм зародился совсем незадолго до начала Первой мировой войны (а точнее, в 1905 году, с появлением объединения «Мост»)6, эти эмоции были как никогда сильны. Художники выплёскивают на полотна весь тот ужас и безнадёгу, что царит в обществе, на картинах появляются тёмные цвета, расплывчатые вытянутые фигуры, совершенно обезличенные люди. Наиболее известными экспрессионистами являются: Э. Мунк, О. Кокошка, Ф. Марк, Э. Л. Кирхнер (См. Приложения 10–13). Также к модернизму относится абстракционизм, часто упоминаемый как «нефигуративное» или «нерепрезентативное искусство»7. По сути, абстракционизм – это очень обобщённый термин, которым описывают множество различных движений. Абстракция бывает: геометрической, цветовой, лирической и минималистичной. Несмотря на различия, все эти виды объединены общей идеей делать упор не на репрезентативные качества картины (т. е. на качество самого рисунка), а на формальные, такие как: цвет, линия, композиция8. Также данное направление отказывалось от точного изображения предметов и явлений, замещая его свободными ассоциациями. Нередко абстракционизм сравнивают с музыкой, поскольку вопреки отсутствию какого-либо осязаемого образа, абстрактные картины всё равно вызывают у людей эмоции, передавая настроения через ритм, композицию и цвета. Именно появление абстракционизма ознаменовало то, что искусство окончательно потеряло свою основную функцию – отображение реальности. Художники больше не были скованы образами и предметами, теперь они стали вольны творить так, как чувствуют, прибегая к самым разнообразным приемам и материалам. Одна из первых нефигуративных картин «Картина с 6 https://artchive.ru/encyclopedia/39~Expressionism, 01.04.2024 https://gallerix.ru/pedia/abstract-art/, 09.04.2024 8 https://gallerix.ru/pedia/abstract-art/, 08.04.2024 7 9 кругом» (См. Приложение 14) была написана художником В. В. Кандинским в 1911 году. Абстракционистские произведения отличаются отсутствием легко узнаваемых предметов и состоят в основном из линий и цветовых пятен. Самые известные абстракционисты: В. В. Кандинский, Ф. Купка, П. Мондриан, К. С. Малевич (См. Приложения 14–17). Далее мы обсудим направления постмодернизма. Одним из них является дадаизм (дада), зародившийся в 1916 году как бунт в ответ на бессмысленную Первую мировую войну. Невзирая на несоответствие временных рамок дадаизма с рамками постмодернизма (определяемого второй половиной ХХ века), многие источники относят направление дада именно к этому периоду, ориентируясь не на время возникновения движения, а на его философию. Художники-дадаисты активно шли против материалистических и националистических ценностей, которые, по их мнению, и привели к кровопролитной войне. Также это направление характеризуется разочарованием творцов в гуманистических идеалах (всё из-за той же войны), считавшихся основой прогрессивного общества. Полный крах того, что раньше имело смысл, побудил художников к созданию направления, воплощающего полную бессмысленность и абсурдность окружающей действительности. Работы дадаистов отличались скандальностью и иронией, каждое произведение было настоящем вызовом обществу: художники были сосредоточены не на создании эстетически приятных объектов, а на диалоге с публикой, на обсуждении сложных вопросов, касающихся творцов, искусства и мира в целом9. Так, одной из излюбленных практик дадаистов стал «редимейд», т. е. использование уже готовых предметов как произведения искусства. Представляя как экспонаты велосипедные колёса, стулья, вешалки и прочие обычные вещи, художники задавались вопросом, что вообще можно 9 https://www.theartstory.org/movement/dada/, 09.04.2024 10 считать искусством, и каково место искусства в современном мире. Также дадаисты прибегали к технике коллажа – вырезания и склеивания разнородных материалов в цельную композицию. Дадаизм стал основой для развития постмодернизма, и в дальнейшем перерос в два направления – сюрреализм и поп-арт. Также дадаизмом вдохновлялись концептуалисты. Картины художников этого направления можно отличить по следующим чертам: абсурдность изображения, смешение разных материалов и техник, сатирический и неоднозначный подтекст (См. Приложения 18–21). Известные дадаисты: Ф. Пикабиа, Ж. Арп, М. Эрнст, К. Швиттерс. Другое направление постмодернизма – поп-арт. Поп-арт появился как скрещение изобразительного искусства и популярной культуры, расцвет которой произошёл после Второй мировой войны. С одной стороны, поп-арт критиковал сложившийся в обществе культ потребления, насмехался над серийностью и безликостью товаров, производимых для широких масс. Художники показывали заурядность «потребительского идеала», превращая произведения искусства в такие же тиражируемые предметы, как продукты с полки супермаркета. С другой – попарт признавал необратимость перемен, произошедших в обществе, и даже восхищался новой реальностью, в которой искусство стало доступным каждому, вне зависимости от социального положения. Это противоречие обуславливается, как и разными взглядами художников, причастных к данному направлению, так и неоднозначностью самого явления массовой культуры. Поп-арт стал настоящим зеркалом эпохи и отражал всю её многогранность. Художники этого направления прибегали к популярным в то время образам и личностям и нарочно придавали своим работам вид упаковки или рекламного баннера. Так, они показывали привлекательность, соблазнительность поп-культуры, но в то же время обличали её пустоту и 11 поверхностность. Также творцы поп-арта, будучи, по мнению некоторых источников, прямыми наследниками дадаистов, пользовались техникой коллажа, вставляя в свои произведения вырезки из популярных глянцевых журналов. (См. Приложения 22–24) Наиболее известные художники направления поп-арт: Р. Лихтенштейн, Э. Уорхол, У. Тибо, Д. Хокни. И, пожалуй, самое спорное направление постмодернизма – концептуализм. Сформировавшись в конце 1960-х годов, он провозгласил, что произведением искусства является не сам предмет, а его идея. Появление такого тезиса стало последствием настроений, уже давно зародившихся в искусствоведческих кругах (это хорошо прослеживается в дадаизме и поп-арте). Художники-концептуалисты были убеждены, что искусство должно не вызывать у человека эмоции, а подталкивать его к интеллектуальным рассуждениям любым возможным способом. Они выносили искусство за рамки холста, экспериментировали с местами проведения своих представлений, использовали самые разнообразные материалы и техники, в том числе лингвистические средства, такие как текст, делая письменную интерпретацию важнее самого произведения искусства. Концептуализм фактически стёр все ограничения в методах донесения идеи и предоставил творцам абсолютную свободу самовыражения, в связи с чем в рамках этого направления зародился целый ряд новых художественных практик, таких как: перфоманс, ленд-арт, видео-арт, инсталляция. Теперь художником мог стать любой человек, а искусством могло считаться что угодно, что будет им названо. Работы концептуалистов узнаваемы по отказу от формы произведения в пользу его смысла и по наличию глубокой философской идеи, нередко сопровождаемой письменным объяснением. (См. Приложения 25–28) Художники-концептуалисты: Р. Раушенберг, Д. Кошут, Б. Науман, С. Левитт. 12 Итак, описав несколько различных направлений модернизма и постмодернизма, далее мы подробнее углубимся в историю и философию одного конкретного направления, а именно орфизма, и отметим его характерные черты в работах художницы Сони Терк-Делоне. 1.4. Орфизм и Соня Терк-Делоне как его представитель Орфизм (орфический кубизм) – это направление модернизма, зародившееся в 10-х годах ХХ века. Орфизм считается ответвлением кубизма, поскольку одним из приемов этого направления так же является использование геометрических форм. Однако, в это же время, в орфизме прослеживается влияние фовизма, от которого он перенял насыщенность цветов, и футуризма, который передал ему отражение непрерывного движения. Создатели определяли орфизм как «движение цвета в свете». Сам термин «орфизм» был придуман французским поэтом и критиком Гийомом Аполлинером, когда тот сравнил картины этого направления с музыкой древнегреческого героя Орфея, которая была способна зачаровать своими звуками даже животных и неодушевлённые предметы. Таким сравнением Гийом хотел передать стремление направления к ритмичности и экспрессивности, однако, это определение не снискало одобрения среди тех, кого критик назвал «орфистами» – художники предпочли название «симультанизм», отсылающее к теории симультанных (одновременных) контрастных цветов химика М.-Э. Шеврёля, на основе которой и было образовано направление. Несмотря на это, в искусствоведении всё же закрепился термин «орфизм». Говоря подробнее о труде «О законе одновременного контраста цветов» М.-Э. Шеврёля, ставшем теоретической базой орфизма, стоит отметить его основное положение – при восприятии того или иного цвета, глаз неизбежно «достраивает» второй, дополнительный ему. Дополнительными называют цвета, находящиеся друг напротив друга на цветовом круге Иттена. На основе взаимодействия двух дополнительных цветов, возникает симультанный, т. е. 13 одновременный контраст: красный квадрат на зелёном фоне создаёт дополнительный зелёный цвет, чем усиливает фон, и наоборот. Такое сочетание создаёт впечатление вибрации, неустойчивости изображения, что, в свою очередь, вызывает у зрителя положительное волнение. Однако, человеческий глаз быстро устаёт от симультанного контраста, поэтому подобных сочетаний избегают на тех картинах, которые должны производить впечатление спокойствия. Также симультанный контраст не используется в интерьере спален и комнат отдыха. Таким образом, орфизм, основанный на сочетании дополнительных цветов, стремился к созданию настоящего буйства красок. Полотна художников этого направления кажутся движущимися, живыми – и всё благодаря симультанному контрасту. Основателями орфизма по праву считаются два художника – супруги Робер и Соня Делоне. В 1912 году, пройдя путь от импрессионизма до аналитического кубизма, они вместе стараются создать принципиально новые цветовые конструкции, которые могли бы вызвать у зрителя наиболее сильные эмоции – и у них получается. К сожалению, несмотря на значительный вклад обоих супругов, зачастую все достижения орфизма приписываются исключительно Роберу, в то время как Соня предстаёт слепой последовательницей мужа. В связи с этим, бо́льшая часть литературы посвящена ему, что, на наш взгляд, является вопиющей несправедливостью к Соне Делоне. По этой причине далее мы подробнее ознакомимся именно с её творчеством, и на его примере рассмотрим основные приёмы орфизма. Соня Терк-Делоне, французская художница еврейского происхождения, родилась в Одессе 14 ноября 1885 года10, однако вскоре переехала в СанктПетербург, на проживание к состоятельному дяде. Получив образование в художественных академиях Европы, девушка перебралась в Париж, на тот момент являвшийся центром всех искусств. Благодаря этому событию Соня 10 https://www.theartstory.org/artist/delaunay-sonia/, 15.04.2024 14 получила возможность посещать самые разнообразные выставки современной живописи и графики, что, в свою очередь, помогло ей сформировать свой уникальный стиль. В 1908 году девушка впервые вышла замуж, но продолжила работать как живописец. В ранних работах художницы прослеживается влияние великих постимпрессионистов: В. Ван Гога и П. Гогена, а также примитивиста А. Руссо и фовиста А. Матисса (См. Приложения 30-31). Уже тогда прошли первые выставки картин Сони (что, кстати, в очередной раз подтверждает ложность тезиса о её несамостоятельности, как художницы). В течение 1910-х годов, Соня, вдохновлённая работами кубистов, всё сильнее уходила от фигуративности и начинала свои эксперименты с абстракцией. В это же время она расторгла первый брак и вышла замуж за Робера Делоне, от которого у неё вскоре родился сын. Вместе супруги приступили к работе над орфизмом, верность которому Соня сохранила на протяжении всего творческого пути, даже после смерти Робера в 1941 году. Художница вынесла орфизм за рамки холста: начав карьеру дизайнера ещё в 1913 году, Соня создала огромное количество одежды, аксессуаров и даже дизайнов автомобилей с «симультанистскими» композициями, открыла несколько известных бутиков, работала над костюмами для спектаклей (См. Приложения 32–33). Достижения художницы говорят сами за себя: в 1925 году дизайн платья от Сони попал на обложку всемирно известного журнала Vogue11, а в 1964 году она стала первой женщиной, персональная выставка которой была организована в Лувре. В 1975 она также была удостоена высшей награды Франции – ордена Почётного Легиона. Соня Терк-Делоне умерла 5 декабря 1979 года, войдя в историю как великий дизайнер и художница. Её влияние трудно переоценить – многие дизайнеры по сей день вдохновляются её работами, превращая свои изделия в 11 https://artchive.ru/soniadelaunay/biography, 15.04.2024 15 произведения орфизма. Именно благодаря ей это направление по сей день остаётся актуальным. Далее мы подробнее разберём живописные полотна Сони, а именно две её работы: «Рынок в Миньо» 1915 года и «Ритм» 1938 года (См. Приложения 34–35). Эти картины помогут нам лучше понять суть орфизма и вживую увидеть главнеы особенности орфизма. Как и было сказано раннее, первая и самая главная черта этого направления – сочетание насыщенных дополнительных цветов. Данный приём очень хорошо виден на обоих работах: на картине «Рынок в Миньо» превалируют оранжевые оттенки, разбивающиеся ярким синим цветом, в то время как на картине «Ритм» мы видим сразу несколько контрастных сочетаний – это красный и зелёный, оранжевый и синий, бледно-желтый и голубой. Именно цветовая схема придаёт произведениям динамику и ритмичность. Вторая особенность, вытекающая из первой – отсутствие выделенной тоном доминанты. Чтобы картина была цельной, в ней должно присутствовать четкое разделение объектов по тону: то, что находится ближе к зрителю выделяется на фоне других предметов более темным, или же наоборот, более светлым тоном. В картинах орфизма это деление отсутствует, поскольку само существование симультанного контраста одновременно с контрастом по тону попросту невозможно. Если мы переведём обе картины Сони в чёрно-белый режим, мы заметим, что полотна станут очень однообразными, поскольку не будет чётко выделенных самых тёмных или самых светлых объектов. Наиболее явно это заметно на картине «Рынок в Миньо», так как в картине «Ритм» Соня всё же прибегает к использованию черного и белого цвета, создающих контраст по тону. И третья особенность, делающая орфизм ответвлением кубизма – использование геометрических фигур, а именно так называемых «солнечных» кругов. Картина «Ритм», являющаяся чистой абстракцией, полностью состоит 16 из кругов разных цветов и размеров, и поэтому наглядно иллюстрирует этот приём. В совокупности с насыщенными цветами он создаёт впечатление движения и неустойчивости. Однако, всё же стоит отметить, что далеко не все работы орфистов целиком состоят из кругов (как, например, картина «Рынок в Миньо»), наоборот – многие вообще их не содержат, но всё равно относятся к этому направлению. Это связано с тем, что самыми главными элементами орфизма являются именно цвет и свет, в то время как круг – просто наиболее удобная геометрическая форма для передачи динамики. Таким образом, мы рассмотрели основные особенности орфизма, которые помогут нам в создании картины в этом направлении. 17 II. Процесс создания картины в направлении орфизма Алгоритм создания картины в направлении орфизма: 1. Выбор темы Нами было принято решение написать картину, посвящённую северному сиянию, так как эта тема будет понятна и близка людям, живущим на за полярным кругом. 2. Выбор цветовой гаммы Для создания картины мы выбрали холодные оттенки (синий, голубой, фиолетовый) и дополнительные им цвета (жёлто-оранжевый, оранжевый, жёлтый). 3. Выбор материалов Несмотря на то, что Соня Терк-Делоне работала в основном масляными красками, мы решили написать картину масляной пастелью. Этот материал более простой в использовании и стоит значительно дешевле. 4. Создание эскиза (См. Приложения 36–37) а) Композиция Поскольку главным в нашей работе является северное сияние, мы расположили его по центру, а горы – по бокам, чтобы взгляд зрителя переходил с них на центр композиции. б) Деление по тону Так как симультанный контраст не может существовать одновременно с контрастом по тону, мы не будем делить северное сияние на темные и светлые части, однако утемним горы, чтобы они как рамка обрамляли центр. 5. Выбор холста Мы выбрали холст небольшого размера, чтобы не делать первый опыт создания подобной картины слишком тяжёлым. 6. Создание картины (См. Приложение 38) 18 Заключение Современное искусство, несмотря на его непривычность для обывателя, является чрезвычайно важным периодом мировой культуры. Именно в эту эпоху было проведено множество экспериментов, которые значительно продвинули вперёд, как и теоретическую часть искусствоведения, так и практическую. Благодаря смелости художников-модернистов и дальнейшему переосмыслению их деятельности художниками-постмодернистами, искусство стало таким, каким мы знаем его сейчас – разнообразным и свободным. В наше время каждый человек может приобщиться к искусству, выбрав то течение, которое по душе именно ему. В ходе работы над проектом мы познакомились с множеством направлений современного искусства, каждое из которых внесло свой уникальный вклад в его развитие. Мы увидели, как разнообразие течений позволило многим людям заявить о себе всему миру, поднять важные вопросы и проблемы. Также мы попробовали себя в роли художника-модерниста, создав картину в направлении орфизма. Этот эксперимент показывает, что абсолютно каждый человек, от школьника до взрослого, может стать творцом и прикоснуться к современному искусству, углубиться в его философию и принципы. На наш принижаются взгляд, и заслуги современного игнорируются большой искусство частью незаслуженно нашего общества. Непонимание важности каждой отдельной эпохи искусства ведёт к отсутствию целостности в восприятии его как одной из главных сфер человеческой деятельности. Искусство будет существовать до тех пор, пока существуют люди, поэтому очень важно понимать его роль в нашем мире. 19 Приложения 1. Поликлет, «Дорифор», 450–440 гг. до н. э 2. Леонардо да Винчи, «Портрет госпожи Лизы дель Джокондо», 1503–1519 год 3. Никола Пуссен, «Царство Флоры», 1631 год 20 4. Теодор Жерико, «Плот Медузы», 1819 год 5. Илья Ефимович Репин, «Приём волостных старшин Александром III во дворе Петровского дворца в Москве», 1885 год 6. Эдуар Мане, «Музыка в саду Тюильри», 1862 год 21 7. Клод Моне, «Впечатление. Восход солнца», 1872 год 8. Камиль Писсарро, «Сбор гороха», 1887 год 9. Огюст Реунар, «Портрет актрисы Жанны Самари», 1877 год 22 10. Эдвард Мунк, «Поцелуй», 1897 год 11. Оскар Кокошка, «Орфей и Эвридика», 1917 год 12. Франц Марк, «Тигр», 1912 год 23 13. Эрнст Людвиг Кирхнер, «Портрет женщины возле деревянной скульптуры», 1912 год 14. Василий Васильевич Кандинский, «Катина с кругом», 1911 год 15. Франтишек Купка, «Взрыв II», 1923 год 24 16. Пит Мондриан, «Композиция с красным, синим и жёлтым», 1930 год 17. Казимир Северинович Малевич, «Спортсмены», 1932 год 18. Франсис Пикабиа, «Вот, это Стиглиц», 1915 год 25 19. Жан Арп, «Без названия (Квадраты, расположенные по закону случая)», 1917 год 20. Макс Эрнст, «Лоплоп и молодая девушка, 1930 год 21. Курт Швиттерс, «Новая мерц-картина», 1931 год 26 22. Рой Лихтенштейн, «Смотри, Микки!», 1961 год 23. Энди Уорхол, «Зеленые бутылки Coca-Cola», 1962 год 24. Уэйн Тибо, «Бостонские сливки», 1962 год 27 25. Дэвид Хокни, «Большой всплеск», 1967 год 26. Роберт Раушенберг, «Стертый рисунок Кунинга», 1953 год 27. Джозеф Кошут, «Один и три стула», 1965 год 28 28. Брюс Наумэн, «Подлинный художник помогает миру, открывая мистические истины», 1967 год 29. Сол Левитт, 1973 год 30. Соня Терк-Делоне, «Филомена», 1907 год 29 31. Соня Терк-Делоне, «Спящая девушка», 1907 год 32. Соня Терк-Делоне, костюм для балета «Смерть Клеопатры», 1918 год 33. Соня Терк-Делоне, купальник, 1928 год 30 34. Соня Терк-Делоне, «Рынок в Миньо», 1915 год 35. Соня Терк-Делоне, «Ритм», 1938 год 36. Эскиз, разбор по тону 31 37. Эскиз, разбор по цвету 38. Готовая работа 32